El pasado viernes, día 11 de diciembre, Pedro Garciarias inauguró en la Galería Toro
Sigue apareciendo el trazo libre, la visión de lo pequeño y próximo, aumentado el tamaño de la flor siempre hasta el formato señalado antes. Tenía, mientras pintaba, el recuerdo de las flores pintadas por Monet durante los seis últimos meses de su vida y que regalaba como presente a todos los que le visitaban en aquellos días finales, decía que quería pintarlas todas…es lo que me pasa cuando salgo a mi jardín del pueblo. Las piezas que he pintado están más cerca de las construcciones florales de las primeras pinturas de Mondrian y la pintora cubana Amelia Pelaez,”Xochitl, flor de la vida”, 1938, y los dibujos florales de Elsworth Kelly, que de las grandes composiciones florales de Fantin-Latour, Renoir o Monet; En un raro fragmento autobiográfico de Mondrian, fechado 1941 escribe: “me apetecía pintar las flores no en forma de ramo sino aisladas en su unidad para así representar mejor su estructura plástica. Su “rosa azul”, parábola desintegradora de la realidad, con su corola plana, forma parte de mi mundo, el mundo de imágenes que todos los pintores llevamos com
o equipaje en la memoria.
Vienen como resultado de la mirada detenida sobre la estabilidad y el movimiento, la apertura radial de los pétalos y su juego entre la horizontal y vertical de sus planos. Son trazos firmes y sin posibles retoques, como aconsejaban los pintores zen, están lejos del planteamiento de la flor como elemento efímero, aquella fragilidad fin-de-siécle o cierta pose mallarmiana. Todas las corolas están suspendidas, solitariamente, en un campo de color. En algunas de ellas, el movimiento del pincel traduce el del tallo: es cuando la pintura deviene flor. A pesar de la velocidad del trazo, el espectador está invitado a participar en esa estrategia de las flores cuando se mezclan ópticamente en los setos, se integra el dibujo con la aguada en la que, en la última sesión, comienza el acrílico a integrar las técnicas y materiales precedentes. La integración del blanco y rojo, sin mancharse entre sí, establece un contraste que, me parece, muy sonoro. He intentado comunicar lo imprescindible de cada corola, su círculo de vida. Lo que me hace mirarlas y permanecer cerca de ellas. Termino con dos palabras, toda mi pintura, hasta el día de hoy, ha sido un nawriyyat, un poema floral Cuentan que las últimas palabras de John Keats, muerto en Roma a los 25 años y susurradas a un amigo pintor, Joseph Severn, que estaba a su lado en aquel momento, 23-2-1821, confirman la importancia de este tema. Las tradujo Luis Cernuda en su poema “a propósito de flores”:
“…ver como crece alguna flor menuda, el crecer silencioso de las flores, acaso fue la mejor dicha que he tenido en el mundo.”
Pedro Garciarias, 1-2-2009. Lloviendo en Granada.
enas de sabrosísimos higos y el cerezo plantado por el abuelo comienza a vestirse de amarillo muy poco a poco, como de rojo empieza a vestirse la parra de la tapia. Los claveles chinos durarán hasta noviembre. Comienzan a verse, a flor de tierra, los brotes tiernos de las maravillas. Este verano no hemos tenido problemas con el agua y la acequia se ha mantenido cantarina durante todo Agosto.
El instante de la mirada, el paisaje de la emoción envuelto en mil líneas y contornos.
Hoy quiero contarte lo que pienso sobre el dibujo, que tanto me gusta. Georgia O´Keeffe escribió. “still, in a way, nobody sees a flower, really, it is so small, we haven´t time, like to have a friend takes time”, este sería el primer consejo para un buen dibujo: la Mirada detenida. Recordar que hace dos mil años surge en Mesopotamia la horticultura estética no utilitaria, nuestro jardín árabe será mitad jardín, mitad huerto. Ya no utilizamos el paisaje como fondo decorativo de una producción con figuras sino que hacemos de la vastedad o pequeñez del espacio natural el verdadero objeto artístico.
Espero que te hayas entretenido en buscar información sobre los isomorfismos de los que te hablaba hace un par de días. Me comprenderás mejor. Busca, cuando tengas tiempo el poema de Mallarmé “les fleurs”1886.Te dará pistas. Monet también lo había dicho:”sólo quiero reproducir lo que hay entre el motivo y yo, no el motivo”, “le dessin est ici un élément privilégié dans l´appréhension de la création comme expression d´une pensé visuelle qui s´eloigne du langage pour aller vers le domaine de la forme”
Para un buen dibujo, la mano muy libre para que el cerebro dirija, forma: icono y símbolo, a la vez, contorno nítido inscrito en el espacio del objeto, circunscrito por la emoción que corregirá la forma y deformar sin miedo hasta que el cuerpo físico del objeto aparezca en la sacralidad de la nueva forma. Lenguaje sígnico y caligrafía abstracta, este es el desafío. Debemos permanecer independientes ante las reglas tradicionales, académicas de la composición con objeto de poder expresar directamente los impulsos, hallaremos signos y ritmos espontáneos de manchas dentro del color sobre las líneas. Sin censura previa del intelecto, el impacto visual manda, por eso el arte, el dibujo nace del modo de percibir. La descomposición asimétrica podría intensificar el motivo y alejarnos de cualquier artificiosidad por ejemplo, una armonía vacía.
Conviene simplificar los contornos, la economía de los contornos los hace más elocuentes; cuidado con la mímesis, corregirla siempre como un peligro que acecha. Todo dibujo es consecuencia de lo visto, nunca su reflejo. Al abrirse los contornos se pueden entrecruzar los motivos y no hay que temer al tiempo que nos exija la mirada (también al que mira luego el dibujo). Me gusta mantener los dintornos limpios de sombreados para sea la aguada coloreada la que cubra el espacio. Que la línea domine la superficie que es la condensación del tiempo, esa especie de terremoto interior se queda en la superficie
del papel o tela: sismógrafo.
Matisse, algunas veces es reiterativo en el dibujo y pasa una y otra vez, me gusta más cuando dibuja de un trazo, sin levantar el lápiz desde el principio hasta el final. En 1907 pensó que “uno siempre debe descubrir el deseo de la línea, por dónde quiere entrar y por dónde desaparecer”.
El trazo recorta, distingue, separa y subraya. Ingres y Hogarth insistían en recordar que trazar un contorno desmaterializa, espiritualiza y origina un desarrollo escalonado de esa idea de planta. Si acompañan el trabajo pictórico debemos dejar bien claro que no son dibujos preparatorios sino parte integral.
Transcribo dos citas muy bellas:
“Yo me empeño en el problema de proyectar formas pictóricas difícilmente accesibles y fugaces que para mi cobran valor como sensaciones”, Gottlieb.
El dibujo es “un prodigio ortográfico, inicial de un poema que abarca el espacio, es una línea que se mueve, combinación de todos los gestos que prodigiosamente encuentran su sitio. Es la síntesis combinada de muchas experiencias, es el material de arte que se expresa más allá de todas las reglas- Quedaría como una visión a vuelo de pájaro, con los ojos cerrados y los dedos abiertos al sentido. Es el perfil de una ruina que queda en el recuerdo y se constituye como trazo de un evento inolvidable”, Pistoletto/Paolini.
Veamos ahora el lugar del color en el dibujo.
El gesto del pincel literalmente se precipita sobre el espacio del papel o la tela.
El color construye y vela las formas capa sobre capa, recuerdo ahora la técnica de los veils de Morris Louis. El flujo rítmico sintetiza las líneas oscilantes de los dibujos y los contornos aunque alg
unos los dibujo después flotando en el campo de color. El color compone y toda la naturaleza se expresa en el color, toda la gestualidad de Joan Mitchell expresa la naturaleza aunque ella no lo pretenda, nos deja la puerta abierta a todas las interpretaciones. Sus telas de colores fragmentados, masas de pinceladas, formas nadando dentro de la más densa espesura cromática, enfrentando la luz sobre el blanco como si fuera una joya brillante, nos dejan una forma de conocimiento, nos enseñan a conocer. El color y sólo el color aglutina el espacio pictórico y las impresiones sensoriales del jardín se perciben simultáneamente por el color El color “borra” el tema y aparece la magia, la gracia, la música, equilibrio y diálogo: el ritmo confrontado de los colores así el acto pictórico no reproduce sensaciones sino que las produce en el sujeto receptor. Te dejo la cita de Tápies publicada en ElPaís, 13-8-83,”uno de los grandes descubrimientos del arte de este siglo es la conciencia del elemento musical del cuadro”.
Escrito por Pedro Garciarias
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